Ciane Xavier ist der Pop-Surrealist, der tragbare Kunst schafft

Von Stephanie Frondoso

Fotografie von Jan Mayo

Fotografiert von Jan Mayo

„Diese Maske soll den wachsenden Trend zur Zensur und Abschaffung der Kultur in der heutigen Gesellschaft symbolisieren“, sagt Ciane Xavier, während sie ein Schmuckstück anzieht, das die Hälfte ihres Gesichts bedeckt.

Die Basreliefskulptur eines menschlichen Kopfes mit Hasenohren, ein wiederkehrendes Motiv in ihrer Arbeit, wurde in ihrem Heimatelier geschaffen und ist im Vergleich zu ihrem Hauptraum, in dem große Skulpturen hergestellt werden, intim. In diesem Raum verfügt sie über einen speziellen 3D-Drucker für den Flüssigharzdruck und die dazu erforderliche Aushärtungsmaschine. Auf ihrem Schreibtisch liegen kleine Schaber und Zangen sowie Hardware-Komponenten für den Schmuck. An der Wand steht ein Alienware-Desktop, mit dem sie Spiele entwirft und Skulpturen rendert.

Cianes Juwelen sind handtellergroße, provokante Versionen der figürlichen Skulpturen im menschlichen Maßstab, für die sie bekannt ist. Sie legt sich ein Halsband an, das aus einem Miniatur-Menschenkörper besteht, der sich nach hinten streckt und sich um ihren Hals legt, so dass es ihr so ​​vorkommt, als würde sie ersticken. Dann befestigt sie einen Ohrring in Form eines Ohres; Der Effekt war, als wäre man am Set eines Science-Fiction-Films. An ihren Fingerspitzen streift sie zarte Fingernagel-Ornamente. Ciane entwarf diese Stücke, damit sich das Publikum im Rahmen seiner täglichen Aktivitäten auf persönlicher Ebene mit ihrer Kunst auseinandersetzen kann, „anstatt auf einem Regal zu sitzen oder an der Wand zu hängen“. Wir haben den Schmuck anprobiert. Sie liegen gut am Körper an, sind leicht und angenehm zu tragen.

Der Prozess des 3D-Drucks von Schmuck ist komplexer als auf den ersten Blick. Flüssiges Harz wird in die Maschine gegossen und schichtweise gedruckt. Die Stücke kommen in einem rauen Zustand heraus, an dem komplizierte Stützfragmente befestigt sind. Es folgt eine langwierige Nachbearbeitung mit Waschen in einem Alkoholbad, Aushärten unter UV-Licht, sorgfältigem Abschneiden des Trägers, Schleifen und Feilen mit Metallwerkzeugen und einer Handbohrmaschine, bis die endgültigen Teile glänzend und veredelt sind. Zum Schluss trägt Ciane eine Deckschicht aus flüssigem Harz auf.

Ciane wurde in Brasilien geboren und begann ihre Karriere als Model, die dazu führte, dass sie in 14 verschiedenen Ländern lebte und arbeitete, bevor sie sich auf den Philippinen niederließ. Sie ist seit einem Jahrzehnt ihr Zuhause und erzählt, dass sie das Glück hatte, „hier eine Familie zu gründen, mit meinem philippinischen Mann und unseren beiden Kindern.“ Das Leben auf den Philippinen hat meine künstlerische und kreative Arbeit maßgeblich geprägt und mir vor allem ein unschätzbares Zugehörigkeitsgefühl vermittelt.“

Die ständigen Migrationen, die Cianes endgültigem Umzug vorausgingen, führten zu einem deutlich spürbaren Verlust ihrer kulturellen Identität, erklären aber auch ihre Geschicklichkeit beim geschickten Wechsel zwischen Medien und Kunstformen. Während sie ihre eigene Identität rekonstruiert, untersucht sie gleichzeitig das größere verzerrte Identitätsgefühl, das in einer von sozialen Medien beeinflussten Ära und deren Auswirkungen auf Verhaltensweisen und Denkweisen entstanden ist. Sie erreicht dies durch die Darstellung von Körpern, die gleichzeitig humorvoll und verstörend sind, mit Details wie vergrößerten Füßen, aus den Rippen wachsenden Ästen und Tierohren. Solche Bilder regen ihr Publikum dazu an, über Verletzlichkeit nachzudenken, wenn Themen wie Bodyshaming und psychische Gesundheit deutlicher in den Vordergrund gerückt sind. Diese Bedenken sind besonders relevant auf den Philippinen, wo über 70 Prozent der Bevölkerung oder 84 Millionen Menschen soziale Medien nutzen.

Als völliger Autodidakt arbeitet Ciane hauptsächlich an pop-surrealistischen Formen- und Gussskulpturen, figurativer Malerei und Videoinstallationen. In den letzten Jahren entwickelte sich ihre Arbeit zu groß angelegtem 3D-Druck, virtueller Realität und immersiver Multimedia. Sie experimentiert konsequent mit industriellen Materialien und verschiedenen Technologien und verbindet bei der Erforschung ihrer wiederkehrenden Themen zunehmend menschliche und nichtmenschliche Elemente. Derzeit arbeitet sie an 3D-gedruckter Animatronik. Ihr jüngster Einstieg in die Schmuckherstellung ist keine Überraschung, da die Intimität von Schmuck und seine Beziehung zum Körper mit ihren laufenden sozialen Untersuchungen zusammenhängt.

Pop-Surrealismus ist eine populistische Bewegung mit kulturellen Wurzeln in Underground-Comics, japanischen Animes, Punkmusik, Graffiti und Street Art. Humor und Sarkasmus werden zur Kritik der Popkultur eingesetzt. Schmuck hat seit seinen prähistorischen Wurzeln immer eine symbolische Bedeutung. Die Juwelen von Künstlern sind darüber hinaus mit einer Bedeutung verkörpert, die im Einklang mit dem steht, was ihre Kunst zu vermitteln versucht. In diesem Sinne kann Künstlerschmuck als „kritischer Schmuck“ betrachtet werden – Schmuck, der über die Dekoration hinausgeht und in den Bereich der Gesellschaftskritik vordringt. Ciane prognostiziert, dass wir auf eine Zukunft zusteuern, in der Technologie zunehmend zur Lösung gesellschaftlicher Probleme eingesetzt wird.

Cianes Schmuckkollektion mit dem Titel „Wear My Things“ besteht aus Porzellanharz und hat den sanften Glanz von Haut aus einer anderen Welt. Zu ihrer Materialwahl sagt sie, dass sie weiß bleibt, um den Fokus ausschließlich auf ihre Form zu lenken. „Mein Ziel ist es, ein Design zu schaffen, das leicht zu drucken ist und nahtlos vom Computer bis zur Fertigungsphase hergestellt werden kann, wobei nur wenig oder gar kein zusätzliches Metall und Modifikationen erforderlich sind, um es tragbar zu machen“, erklärt sie. Durch die Suche nach Möglichkeiten zur Rationalisierung des Produktionsprozesses möchte Ciane zu einem achtsameren und verantwortungsbewussteren Ansatz beim Schmuckdesign beitragen.

Am Ende des Zweiten Weltkriegs, Mitte der 1940er Jahre, entstand die Atelierhandwerksbewegung und mit ihr der Atelierschmuck. Studiojuweliere fertigen die Stücke selbst in Einzelauflagen oder Kleinserien an und arbeiten in ihren Studios statt in einer großen Fabrik oder einem Atelier. In den 1950er Jahren demokratisierte das Konzept einer „Kostbarkeitskritik“ den Schmuck. Die Hersteller begannen mit kostengünstigen Materialien zu experimentieren und fanden Objekte, die es ihnen ermöglichten, künstlerischen Schmuck nicht nur für einen kleinen Teil der Gesellschaft erschwinglich zu machen.

In der gesamten Geschichte des Künstlerschmucks interessierten sich Künstler weniger für den wirtschaftlichen Wert von Materialien, gemessen am Gewicht von Edelmetallen oder an den Eigenschaften eines Diamanten. Sie fühlten sich eher zu prosaischen Materialien hingezogen, die verfügbar und für sie zugänglich waren. Alexander Calder, der weithin als Begründer des Künstlerschmucks gilt, bearbeitete Draht, geschlagenes Messing und sogar Besteck nur mit einem Hammer, einem Amboss und einer Zange. Sein Schmuck wurde berühmt von der legendären Sammlerin Peggy Guggenheim getragen. Diese Künstler wurden vom Standardmetier von Luxusjuwelieren befreit, das normalerweise ein Team von Spezialisten erfordert, um jede Komponente zu bauen und zusammenzubauen.

Cianes Arbeit ist meine erste Begegnung mit einem Künstler, der beim Schmuckdesign einen „technokratischen“ Ansatz verfolgt. Sie beschreibt ihre Arbeit als posthuman und erklärt: „Die Art und Weise, wie wir Dinge erschaffen und konstruieren, verändert sich schnell. Ich glaube, dass der 3D-Druck im Kontext des Posthumanismus und der Zukunft von Design und Technik eine einzigartige Gelegenheit bietet, unsere menschlichen Grenzen zu überwinden und unsere Fähigkeiten über die Grenzen unserer Biologie hinaus auszudehnen.“ Ciane stellt sich eine nahe Zukunft vor, in der wir Ideen austauschen und Gegenstände bequem von zu Hause aus herstellen können und 3D-Drucker zu einem alltäglichen Gerät in Haushalten werden.

„Wir treten in eine neue Ära des Designs und der Technik ein“, verkündet der Künstler, „eine, die zugänglicher, dezentralisierter und innovativer ist als je zuvor.“

Von Stephanie Frondoso. Fotografien von Jan Mayo. Make-up: Luis Buñag von Estée Lauder. Haare: Khrystine Soriano von Estée Lauder. Assistent des Fotografen: Nathan Scan.